Paolo Treni wurde 1981 an den Ufern des Gardasees in Italien geboren. Jetzt lebt und arbeitet er zwischen Brescia und Mailand.
In Mailand machte er seinen Abschluss in Kommunikation an der Universität Cattolica und erhielt einen Abschluss an der Theaterschule Teatro Arsenale. Seine Beziehung zum Theater prägte seine künstlerische Forschung und gab ihm die Möglichkeit, im Scenography Lab von Jacques Lecoq in Paris zu arbeiten und die von dem französischen Meister entwickelte Methode der künstlerischen Bewegungsanalyse auf das Bühnenbild anzuwenden.
Das Labor ist der Ort, an dem seine Kunst vom Projekt zum realen praktischen Prozess wird. Treni ist sich bewusst, dass es am Künstler liegt, diese Art von Alchemie zu beherrschen, die die Plexiglasoberfläche mit Hilfe von Lasern, Emaillen, Pigmenten und Lacken in den perfekten Träger für seine Traumwelt verwandelt.
Plexiglas wird zu einem Medium, das in der Lage ist, Lichtenergie einzufangen und sie dann in einem sich verändernden chromatischen Spektrum auszustrahlen, wodurch eine emotionale Resonanz zwischen den Farbvariationen, aufgrund der sich verändernden Helligkeit im Raum, und den im Betrachter geweckten Emotionen entsteht. In einer Dynamik von Anziehung-Abstoßung werden die Betrachter dazu verleitet, die Natur und Wirkung jedes Kunstwerks zu erforschen, indem sie sich entlang der Wand bewegen auf der Suche nach dem Brennpunkt, an dem die Farben aufleuchten und die Komposition zum Leben erwacht. „Le Chasseur de Lumieres“ ist ein wichtiges Projekt und ein Meilenstein in seiner vielseitigen Karriere, das im September 2013 in Paris im prestigeträchtigen Rahmen der Messe Maison & Objet ausgestellt wurde. Er hat das grafische Design für zwei Prototypen von beheizten Handtuchhaltern aus hinterleuchtetem Glas geliefert. Von Architekten und Innenarchitekten wahrgenommen, begann er verschiedene Kooperationen, die dazu führten, dass er den Auftrag für mehrere Kunstwerke aus Plexiglas erhielt, die 2014 in private Mailänder Sammlungen aufgenommen wurden.
Dank der AISTHESIS. An der Wurzel der Empfindungen, einer Ausstellung, die er 2014 in der Villa Panza in Biumo besuchte, entdeckte er den wichtigsten Wert der Interaktion mit den Kunden. In diesem Fall waren die ortsspezifischen Installationen von Robert Irwin und James Turrel, Meister der Wahrnehmungs- und Installationskunst, von Bedeutung.
Die Beziehung zu den Kunden wurde in seinem kreativen Prozess wesentlich. Die „Wahrnehmung“ der Menschen führt dazu, dass er sich kongruente Formen und Farben vorstellt, sowohl mit der menschlichen Seele als auch mit dem Ort des Sammelns, und so eine Art architektonisches Porträt entwirft, das wie ein Edelstein gefasst ist. Seine Kunstwerke, ob sie aus einem einzelnen Träger oder aus komplexen Installationen bestehen, formen die Umgebung neu und schaffen ein neues Gleichgewicht. Es geht darum, dass die Kunstwerke über ästhetische Schönheit und formale Eleganz hinausgehen und eine pulsierende Energie freisetzen, die sich einschaltet, wenn sie mit dem leuchtenden Mikroklima des Raumes, in dem sie platziert sind, in Berührung kommt und die Persönlichkeit des Kunden und seine Absicht, zu existieren und sich vorzustellen, hervorhebt.
Dank dieses Modus Operandi erhielt er 2015 den Auftrag von Afflatus Caelestis, der Teil der Sammlung der Gräfin Dania Zani Barranco ist, zusammen mit Kunstwerken bedeutender Meister, wie Tilson, Chagall, Picasso.
Im Jahr 2017 hatte er die Ehre, den Premio Montale Fuori di Casa Award in der Kategorie Kunst zu erhalten. Der Preis wird in Erinnerung an den italienischen Nobelpreisträger Eugenio Montale vergeben, dank seiner Fähigkeit, ästhetische Forschung, Kunst und Poesie zu verbinden.
2018 richtete er seine erste öffentliche Einzelausstellung in der Fortezza Firmafede in Sarzana (Sp) ein, kuratiert von Ivan Quaroni und mit dem Titel „Simulacra“.
Das Werk „CPH4“, eines seiner „Simulacri di Luce“, wird in die Sammlung der menschlichen Beziehungen von Baronin Lucrezia De Domizio Durini im Palazzo Durini in Bolognano (Pe) aufgenommen.
Im September 2018 wird er als jüngster Künstler in die ständige Sammlung des Park Museums – International Center of Outdoor Sculpture in Portofino aufgenommen, das von Daniele Crippa geleitet und von Serena Mormino kuratiert wird, neben den Werken der größten Künstler der modernen und zeitgenössischen Kunst.
Paolo Treni wurde 1981 an den Ufern des Gardasees in Italien geboren. Jetzt lebt und arbeitet er zwischen Brescia und Mailand.
In Mailand machte er seinen Abschluss in Kommunikation an der Universität Cattolica und erhielt einen Abschluss an der Theaterschule Teatro Arsenale. Seine Beziehung zum Theater prägte seine künstlerische Forschung und gab ihm die Möglichkeit, im Scenography Lab von Jacques Lecoq in Paris zu arbeiten und die von dem französischen Meister entwickelte Methode der künstlerischen Bewegungsanalyse auf das Bühnenbild anzuwenden.
Das Labor ist der Ort, an dem seine Kunst vom Projekt zum realen praktischen Prozess wird. Treni ist sich bewusst, dass es am Künstler liegt, diese Art von Alchemie zu beherrschen, die die Plexiglasoberfläche mit Hilfe von Lasern, Emaillen, Pigmenten und Lacken in den perfekten Träger für seine Traumwelt verwandelt.
Plexiglas wird zu einem Medium, das in der Lage ist, Lichtenergie einzufangen und sie dann in einem sich verändernden chromatischen Spektrum auszustrahlen, wodurch eine emotionale Resonanz zwischen den Farbvariationen, aufgrund der sich verändernden Helligkeit im Raum, und den im Betrachter geweckten Emotionen entsteht. In einer Dynamik von Anziehung-Abstoßung werden die Betrachter dazu verleitet, die Natur und Wirkung jedes Kunstwerks zu erforschen, indem sie sich entlang der Wand bewegen auf der Suche nach dem Brennpunkt, an dem die Farben aufleuchten und die Komposition zum Leben erwacht. „Le Chasseur de Lumieres“ ist ein wichtiges Projekt und ein Meilenstein in seiner vielseitigen Karriere, das im September 2013 in Paris im prestigeträchtigen Rahmen der Messe Maison & Objet ausgestellt wurde. Er hat das grafische Design für zwei Prototypen von beheizten Handtuchhaltern aus hinterleuchtetem Glas geliefert. Von Architekten und Innenarchitekten wahrgenommen, begann er verschiedene Kooperationen, die dazu führten, dass er den Auftrag für mehrere Kunstwerke aus Plexiglas erhielt, die 2014 in private Mailänder Sammlungen aufgenommen wurden.
Dank der AISTHESIS. An der Wurzel der Empfindungen, einer Ausstellung, die er 2014 in der Villa Panza in Biumo besuchte, entdeckte er den wichtigsten Wert der Interaktion mit den Kunden. In diesem Fall waren die ortsspezifischen Installationen von Robert Irwin und James Turrel, Meister der Wahrnehmungs- und Installationskunst, von Bedeutung.
Die Beziehung zu den Kunden wurde in seinem kreativen Prozess wesentlich. Die „Wahrnehmung“ der Menschen führt dazu, dass er sich kongruente Formen und Farben vorstellt, sowohl mit der menschlichen Seele als auch mit dem Ort des Sammelns, und so eine Art architektonisches Porträt entwirft, das wie ein Edelstein gefasst ist. Seine Kunstwerke, ob sie aus einem einzelnen Träger oder aus komplexen Installationen bestehen, formen die Umgebung neu und schaffen ein neues Gleichgewicht. Es geht darum, dass die Kunstwerke über ästhetische Schönheit und formale Eleganz hinausgehen und eine pulsierende Energie freisetzen, die sich einschaltet, wenn sie mit dem leuchtenden Mikroklima des Raumes, in dem sie platziert sind, in Berührung kommt und die Persönlichkeit des Kunden und seine Absicht, zu existieren und sich vorzustellen, hervorhebt.
Dank dieses Modus Operandi erhielt er 2015 den Auftrag von Afflatus Caelestis, der Teil der Sammlung der Gräfin Dania Zani Barranco ist, zusammen mit Kunstwerken bedeutender Meister, wie Tilson, Chagall, Picasso.
Im Jahr 2017 hatte er die Ehre, den Premio Montale Fuori di Casa Award in der Kategorie Kunst zu erhalten. Der Preis wird in Erinnerung an den italienischen Nobelpreisträger Eugenio Montale vergeben, dank seiner Fähigkeit, ästhetische Forschung, Kunst und Poesie zu verbinden.
2018 richtete er seine erste öffentliche Einzelausstellung in der Fortezza Firmafede in Sarzana (Sp) ein, kuratiert von Ivan Quaroni und mit dem Titel „Simulacra“.
Das Werk „CPH4“, eines seiner „Simulacri di Luce“, wird in die Sammlung der menschlichen Beziehungen von Baronin Lucrezia De Domizio Durini im Palazzo Durini in Bolognano (Pe) aufgenommen.
Im September 2018 wird er als jüngster Künstler in die ständige Sammlung des Park Museums – International Center of Outdoor Sculpture in Portofino aufgenommen, das von Daniele Crippa geleitet und von Serena Mormino kuratiert wird, neben den Werken der größten Künstler der modernen und zeitgenössischen Kunst.
Ich schaffe Simulakren in einer immerwährenden Beziehung zum Licht. Das bedeutet, dass sich in jedem Kunstwerk die Farben entsprechend den Lichtverhältnissen verändern, je nach dem Moment, in dem sie beobachtet werden.
Ich versuche, im Betrachter die pulsierende Energie der lebendigen Materie hervorzurufen. Jede Kreation entsteht aus einer Reise in mein emotionales Gedächtnis: Ich schöpfe aus der phantastischen Dimension, in der sich innere Visionen mit der kollektiven Vorstellungskraft vermischen, Emotionen entstehen, Farben sich mit der Kraft eines luziden Traums kristallisieren.
Mit dem Wort Kunst verbinde ich drei Begriffe: Einfachheit, Schönheit, Poesie.
Ich mache Poesie mit Licht, untersuche die Verbindungen zwischen Farbe und Form, forme Werke, die das Auge anziehen, indem ich mit Reflexionen spiele.
Mein Ziel ist eine einnehmende ästhetische Erfahrung für den Betrachter: dies öffnet den Weg zu einem Prozess der inneren Versenkung und dem konsequenten Übergang zu einer kontemplativen Dimension. Ich versuche, die Menschen in meine traumhafte Welt eintreten zu lassen, in der ich seit jeher den tiefen Kontakt mit den vitalen Energien der Natur und den Phänomenen des Kosmos suche. Von hier gehen ein geheimnisvoller Charme und eine formale Eleganz aus, die die Spannung eines jeden Individuums widerspiegeln, derjenige zu sein, der nie mit sich selbst übereinstimmt und immer das Jenseits sucht.
Die Essenz meiner Kunstwerke basiert auf Einfachheit und Leichtigkeit; ich arbeite akribisch, damit die Komplexität der Umsetzung den endgültigen Effekt nicht belastet. In meinem Labor verwandle ich gewöhnliche Plexiglasplatten in den idealen Träger für die materielle Transkription meiner Träume. Zu diesem Zweck verwende ich Laser, Emails, Pigmente und Lacke in sich überlagernden Schichten, um eine erhabene und leuchtende Verbindung zu erhalten. Das Ergebnis ist ein neues Medium, das in der Lage ist, eine emotionale Resonanz zwischen Autor und Betrachter zu erzeugen.
Durch die Reflektivität stimuliert jedes Werk spontan den Betrachter auf der Suche nach dem befriedigendsten Beobachtungspunkt und initiiert einen mäeutischen Dialog, der über die Zeit hinweg andauern soll.
Paolo Treni
Die Kunstwerke von Paolo Treni, die mit Lasern, Emaillen und Lacken realisiert werden, die in anschließender Schichtung auf den Plexiglasträger aufgetragen werden, beschäftigen sich mit der materiellen Transkription von Träumen, die dank der Lichtreflexion und -brechung leben.
Treni gelingt es, die vitale Atmosphäre, die von der Umgebung ausgeht, in Plexiglas zu bannen, indem dieses Material die Lichtintensität einfängt und dann in einem wechselnden Farbspektrum abstrahlt.
Dank einer bewundernswerten kompositorischen Ausgewogenheit, einer ständigen Harmonie zwischen kontrastierenden Elementen, kann dieser Künstler eine tief emotionale und einfühlsame Resonanz beim Betrachter erzeugen.
Allmählich entwickelt sich die Arbeit von Paolo Treni von der zweidimensionalen Produktion zu Wandinstallationen in einer größeren Dimension, die mit dem Raum in Dialog treten, bis hin zu abgerundeten Installationen.
Von seinen ersten Kunstwerken, die auf schwarzem Hintergrund entworfen wurden, mit starken chromatischen Kontrasten, die holographische Reminiszenzen haben, geht er zu einer Untersuchung über die Beziehung zwischen Farbe und Form in Verbindung mit dem Raum über: Themen in seinen Kunstwerken repräsentieren sowohl die technologische Fragmentierung und die aktuelle explosive technologische Revolution, als auch Kunstwerke, die sich auf die Welt der Flüssigkeiten konzentrieren und das Konzept der flüssigen post-baumanischen Moderne visuell interpretieren. Seine „Nuvole“ zum Beispiel, die die Reflexions- und Brechungseffekte beibehält, die der lebendigen magmatischen Materie eigen sind, evoziert in den Betrachtern das imaginative Potential des Kindes vor dem ewigen Wolkengenerationsspiel. In „Goccia d’Abisso“ geht er zur dreidimensionalen Installation über und das Licht-Farbe-Form-Verhältnis wird durch die von jeder Tafel projizierten Schatten bereichert. Diese wiederum beziehen sich auf Lichter und Farben, die je nach Blickwinkel oder Bewegung des Betrachters im Raum neue Schattierungen entstehen lassen oder verbergen.