Die metabolischen Ränder von Simone Pellegrini: Ästhetische Alchemie und die Beschwörung von Geistern

Simone Pellegrinis (*1972) Werk existiert in einem Schwellenraum, in dem das Residuum des historischen Bewusstseins und die Materialität der Zeichen zusammenlaufen. Seine Praxis ist nicht zeitgenössisch im Sinne der zeitlichen Konstruktionen des Kunstmarktes, noch fügt sie sich in die selbstreferenzielle Hermetik des akademischen Modernismus ein. Stattdessen entspringt sie einer tieferen Schicht – einer Mischung aus Archäologie und mystischer Beschwörung. In Ancona geboren und in einer Umgebung aufgewachsen, die von der archäologischen Berufung seiner Mutter geprägt war, wurde Pellegrini früh für die palimpsestartige Natur der Geschichte sensibilisiert. Doch anstatt die Vergangenheit nur auszugraben, konstruiert er einen Raum, in dem sie sich in spektralen Figurationen manifestiert.

Seine Weigerung, sich dem Mainstream-Diskurs der zeitgenössischen italienischen Kunst anzupassen, führte ihn an die Peripherie – einen Raum, in dem sich Art Brut, mittelalterliche Illuminationskunst und esoterische Traditionen überschneiden. Während er im strengsten Sinne kein Außenseiter ist – insbesondere durch seine akademische Ausbildung und seine Lehrtätigkeit an der Akademie der Schönen Künste in Bologna –, definiert sich Pellegrinis Werk durch eine bewusste Distanzierung von institutionellen Konventionen. Seine Arbeiten fanden Anklang in Paris, New York und im Museum Gugging nahe Wien, einem Zentrum für Art Brut, das seine Affinität zu künstlerischen Sprachen unterstreicht, die sich einer Kategorisierung entziehen.

Pellegrinis Prozess ist ein Akt der strukturierten Hingabe. Er beginnt mit der Anhäufung von Wissen – einem internalisierten Archiv aus philosophischen, literarischen und spirituellen Texten – bevor er seine Hand über die Erschöpfung der Sprache hinausführt. Er beschreibt diesen Übergang als eine notwendige Abkehr von den Grenzen des geschriebenen Wortes. Wenn die Sprache ihre Grenze erreicht, bricht sie in Form zusammen – und genau in diesem Zusammenbruch verortet Pellegrini seine künstlerische Praxis. Die Wände seines Ateliers sind mit Textfragmenten beschriftet – Zeilen von Camus, Bolaño, Lispector, Kafka, Deleuze, Wittgenstein, Heidegger, Foucault und Agamben – und bilden ein lebendiges Palimpsest, das ihn bei seiner Arbeit begleitet. Seine Affinität zur Poesie, insbesondere zu den Werken von Majakowski, Zwetajewa, Bloch, Jessenin und Jabès, verstärkt seine Beschäftigung mit der porösen Grenze zwischen Text und Bild.

Für Pellegrini ist das Zeichnen eine metaphysische Verhandlung. Seine Kompositionen entstehen durch einen indirekten Prozess, bei dem er Pigment durch Zwischenmatrizen – kleine Papierfragmente, die als Filter dienen – auf das Papier überträgt. Diese Matrizen, mit Kohle und Leinöl imprägniert, werden mit einem stempelartigen Eisenobjekt auf die finale Oberfläche gepresst. Das Ergebnis ist eine Parataxe von Negativen, eine Artikulation von Abwesenheit, die die Präsenz verlorener Stimmen heraufbeschwört. Das Papier selbst ist ein konstruiertes Terrain, zusammengesetzt aus zerrissenen und wieder zusammengefügten Fragmenten, deren Nähte und Narben als stille Zeugen seines Prozesses fungieren. Diese Methode ist nicht bloß eine Technik, sondern eine ontologische Aussage: Die Oberfläche ist niemals eine Tabula rasa, sondern ein Ort spektraler Anhäufung. Das Papier ist bereits bewohnt, bevor der erste Strich gesetzt wird, seine Geister warten auf ihre Beschwörung.

Die französische Philosophie, insbesondere die Arbeiten von Gilles Deleuze und seine Interpretation von Foucault, beeinflussen Pellegrinis konzeptuelle Herangehensweise stark. Deleuze‘ Begriff des ‚Außen‘ – eine Kraft, die sich strukturiert, bevor sie in die Realität eintritt – spiegelt Pellegrinis eigenes Verständnis des künstlerischen Prozesses wider. Sein Werk existiert in einer metabolischen Randzone, einem Übergangsraum, in dem Bedeutung nicht vorgegeben ist, sondern sich allmählich offenbart. In seinem Ansatz liegt eine unbestreitbare ritualistische Qualität, eine Beschwörung unsichtbarer Kräfte, die das Werk über den bewussten Willen des Künstlers hinaus formen. Yves Bonnefoys Behauptung, dass ‚das einzige wahre Denken dasjenige ist, das das Undenkbare denkt‘, durchdringt Pellegrinis Praxis: Seine Kompositionen sind strukturierte Begegnungen mit dem Unaussprechlichen, mit Zeichen, die sich einer stabilen Interpretation entziehen.

Die Vorstellung von Schönheit als Produkt der Ruptur statt der Harmonie steht im Zentrum von Pellegrinis Philosophie. Er erinnert an das Werk von Adolf Wölfli, dessen gewaltvolle Geschichte zu komplexen, hypnotischen Kompositionen führte und damit die klassische Annahme in Frage stellt, dass Schönheit aus Schönheit entspringt. Stattdessen fragt Pellegrini: Was, wenn Schönheit aus dem Abgründigen, dem Unreinen, dem Fragmentierten hervorgeht? Seine Arbeiten, überwiegend in Rot und Schwarz gehalten, sind nicht durch binäre Gegensätze gebunden, sondern durch ein sich ständig erweiterndes Feld von Nuancen. Das aufmerksame Auge erkennt subtile Farbvariationen, spektrale Spuren anderer Töne, die sich durch seine Methode der Pigmentübertragung offenbaren. Es scheint, als ob die Oberfläche selbst sich einer Endgültigkeit widersetzt und latente Geschichten durchscheinen lässt.

Pellegrinis Weigerung, seine Werke als abgeschlossen zu betrachten, steht im Einklang mit einer breiteren metaphysischen Perspektive. Wie Cézanne, der behauptete, dass ‚ein Werk niemals vollendet, sondern nur aufgegeben werden kann‘, erkennt Pellegrini die Illusion der Vollendung an. Sein Prozess ist eine kontinuierliche Artikulation, in der das Kunstwerk nur endet, weil der Künstler erschöpft ist. In diesem Sinne geht es in seiner Praxis nicht um die Auflösung, sondern um das Bewohnen eines sich ständig verändernden Feldes von Möglichkeiten.

Durch seine bewussten Anomalien – die Ablehnung der direkten Zeichnung, die Betonung fragmentierter Oberflächen, das Vertrauen in den Zufall – untergräbt Pellegrini konventionelle künstlerische Hierarchien. Seine Arbeiten sind keine statischen Bilder, sondern Ereignisse, Momente des Werdens, die die Betrachter einladen, ihre eigenen Grenzen der Bedeutung auszuloten. Wie Nina Katschnig treffend beschreibt, sind seine Papiere niemals leer; sie sind von Präsenzen bevölkert, die ihren Platz innerhalb der Komposition aushandeln. Pellegrini illustriert nicht die Geschichte – er beschwört ihre Geister herauf, inszeniert Begegnungen zwischen Sichtbarem und Abwesendem, zwischen Bekanntem und Unbekanntem. Seine Kunst ist kein Archiv der Bedeutung, sondern ein Ort der Beschwörung, an dem Vergangenheit und Möglichkeit in einer zugleich unruhigen und fesselnden Koexistenz zusammenfinden.