„Ich war ein Künstler, bevor ich sprechen konnte. Als Kind hatte ich eine schwere Sprachstörung, die mein ganzes Leben prägte, da ich mich bis zum Alter von sieben Jahren nicht verbal ausdrücken konnte.
Die Kunst wurde zu meiner Muttersprache, indem ich Farbe und Form benutzte, um mein Glück oder meine Frustration auszudrücken, was jetzt, unbewusst, tief in meiner Praxis verwurzelt ist.
Der Großteil meiner Arbeit kommt von diesem Ort. Alles, was ich bewusst zu schaffen versuche, ist ein Gefühl des Verstehens und ein Ausdruck, der für jeden verständlich ist.“
William Grob

William Grob’s hatte als Kind schwere Sprachstörungen und war bis zum Alter von sieben Jahren nicht in der Lage, sich verbal auszudrücken. Er griff auf Farben und Formen zurück, um seine Emotionen und Gefühle auszudrücken. Dies ist immer noch tief in seiner Praxis verwurzelt und macht die Grenze zwischen Realität und psychischer Welt zu einem weiteren Hauptthema seiner künstlerischen Praxis. Seine Serie MASKS, die auf Straßenfotografien basiert, die er in New York City und Berlin aufgenommen hat, bietet ergreifende Mediationen über das Leben, die Gesellschaft und die individuelle Erfahrung, durchtränkt mit einer polemischen Ironie, eine Kombination von Faktoren, die uns an die Collage-Arbeiten von Angus Fairhurst erinnern könnten, während seine Verwendung von groben Bleistiftstrichen und das Zeichnen der vereinfachten, ungezügelten menschlichen Figur ihn in seinem Bemühen, die lebendige, pulsierende Energie unserer Städte zu verewigen, näher an den Vorläufer der Street Art Keith Harrings bringt. Die Wahl, die Proportionen seiner ungeschlechtlichen Figuren gerade genug zu dehnen und zu extremisieren, während er das Handeln in einer fragwürdigen Gesellschaft verewigt, zusammen mit der Wahl, sich auf die Ausgestoßenen, Obdachlosen, Betrunkenen zu konzentrieren und die subtile Einsamkeit wahrzunehmen, erinnert eher an die ersten Arbeiten von George Grosz, mit der leicht abgemilderten Perspektive eines jungen Mannes, der zwar in der Lage ist, die Widersprüche unserer Gesellschaft und Zeit zu sehen, aber nie die historischen Schrecken der ersten fünfundvierzig Jahre des XX Jahrhunderts erlebt hat.  Grobs größere Arbeiten aus der Serie OVERLAID EMOTIONS sind das Ergebnis von malerischen Eingriffen, getrieben von reinen Emotionen, auf Reproduktionen von Vintage-Fotografien. Die Fotografie ist ebenso dinostisch wie ehrlich in der Reproduktion der Realität, und indem er seine Emotionen durch Farbe über sie fließen lässt, entweder auf kontrollierte oder auf impulsive Weise, zeigt Grob mit dem Finger auf das Paradox, dass wir in einer Welt leben, die keine Wahrheiten und keine Antworten bereithält, nur Überzeugungen. Sein Glaube besteht darin, gleichzeitig eine physische Wahrheit, die Fotografien, und eine emotionale Ehrlichkeit, die Gemälde, zu zeigen. Die Verwendung von scheinbar absurden und außer Konkurrenz stehenden Texten in seiner Arbeit ist auch ein Weg, die Wahrheit ungefiltert durch binäre Gegensätze darzustellen, als das ständige Grummeln unseres Gehirns, das gleichzeitig die komplexesten Überlegungen und den banalsten Gedanken verarbeiten kann, wodurch wir in der Lage sind, der Dichotomie schwarz/weiß nicht nur Grau, sondern auch die ganze Palette von Farben und Schattierungen hinzuzufügen.

Im Gespräch mit William Grob über seine Serie „Masken“ – Von Pasquale Marino, Januar 2020

Wie sind Sie dazu gekommen, die erste „Maske“ zu machen?

„Masken“ begann 2015 in New York. Ich bin direkt nach der Uni dorthin gezogen, nachdem ich einen Abschluss in Fotografie gemacht hatte. Ich hatte schon vorher auf Fotos gemalt, aber ich hatte nicht wirklich eine Praxis, mit der ich arbeiten konnte. Ich habe jeden Tag fotografiert, ich glaube, ich habe in den ersten paar Monaten in New York 600 Fotos gemacht, und ich bin jeden Tag in ein Museum gegangen. Im ersten Monat ging ich jeden Tag ins MoMA, im zweiten Monat ging ich jeden Tag in die MET, aber ich war nicht allzu lange dort, vielleicht eine Stunde, ich machte einen Raum und ging dann wieder. Ich ging ins Museum und zeichnete Dinge, die mir gefielen, von Gustav Klimt bis Picasso, und alte Klassiker. Ich habe alles gezeichnet, was meine Aufmerksamkeit erregte, und ich hatte dieses Skizzenbuch voller Studien. Eines Tages war ich am Zeichnen und wollte nicht aufhören – ich glaube, ich war in einem Café – aber ich hatte gerade das Skizzenbuch fertiggestellt. Weil ich so viele Fotos gemacht habe, hatte ich all diese Fotos in Postkartengröße dabei, also habe ich einfach angefangen, sie auszumalen. Ich machte eine cartoonartige Zeichnung, sehr schnell, ohne viel Zeit zu investieren, ohne wirklich darüber nachzudenken, ich benutzte einfach das Schwarz-Weiß als eine Art Struktur und fügte dann die Farbe hinzu, die ich sehen wollte. Dann wurde alles zu einem total kompositorischen Prozess. Es war ein schöner Prozess. Ich ging die Alleen auf und ab, suchte mir ein schönes Plätzchen und setzte mich einfach mit einem Kaffee hin. Ich hatte eine Handvoll Stifte und einen großen Stapel Fotos, und ich habe sie einfach ausgemalt. Jeden Tag habe ich 20 oder 30 gemacht, es war eine leichte Übung. Es gibt 2 oder 3 Cafés, wo ich die meisten der frühen Bilder gemacht habe. Im Grunde begann ‚Masken‘, weil… mir das Skizzenbuchpapier ausging! (lacht)

Woher kommt der Name „Masken“?

Ich denke, da sie sehr cartoonhaft waren, habe ich von Anfang an alle in rosa Menschen verwandelt. Alle hatten nur diese rosa Kleckse, die nicht wie ein Gesicht aussahen, sie hatten nicht die richtige Struktur für ein Gesicht. Vor allem in den alten Filmen sind die Köpfe meist sehr groß, sehr unproportional, so dass es sich anfühlt, als wäre da etwas oben drauf, wie eine Maske. Als ich anfing, die Idee der Maske zu konzipieren, wurde mir klar, dass sie so sein musste, denn in vielen der Bilder geht es um eine Figur, die die normalen Regeln der Gesellschaft bricht; sie schreit auf der Straße, läuft nackt herum oder macht einfach etwas Lächerliches. Wenn man eine Maske aufsetzt, fallen alle Hemmungen weg, denn es gibt keinen Schuldigen für das Verbrechen, man kennt die Person nicht, sie hat ein Schutzschild. Masken‘ wurde zu dieser Idee, dass wenn die Leute tun könnten, was sie wollen, was würden sie tun. Wenn man sich alle ansieht, gibt es von sexuell aufgeladenen bis hin zu Gender, von Nacktheit bis hin zu Frauenfeindlichkeit, von der Umwelt bis hin zur Politik. Viele der Themen der Masken stammen wirklich aus den Zeichnungen des Museums. Das ursprüngliche Skizzenbuch war voll mit diesen kleinen Studien von großen Künstlern, also habe ich diese Zeichnungen benutzt und sie über die Fotografien gelegt und die Geschichte wieder verändert. Es war eine Art „call and repeat“, aber völlig verändert.

Was ist die Bedeutung hinter dieser Serie?

Die Arbeit ist eine Antwort auf das tägliche Leben und die Gesellschaft. 99% der Fotografien entstehen auf der Straße. Es ist ein Element, ein Voyager auf der Straße zu sein, der zuhört und sieht. Auf der Straße kann man schöne Momente sehen, in denen ein Paar Händchen hält, oder man kann schreckliche Momente sehen, in denen jemand kurz davor ist, Heroin zu spritzen. Ich begann zu glauben, dass die Arbeit wichtig ist, als ich das Gefühl hatte, dass es diese Art von breitem Spektrum dessen gibt, was auf der Straße passiert, es gibt die guten und die schlechten Momente. Ich finde es wirklich wichtig, als Künstler die Gesellschaft zu kommentieren. Ich denke, das ist etwas, das wir alle anerkennen sollten, denn wenn wir etwas verändern wollen, müssen wir in der Lage sein, die Probleme zu erkennen.

In dieser Serie gibt es viele ironische Darstellungen der negativen Auswirkungen des Konsumverhaltens auf den Einzelnen. Sind das nur Ihre Wahrnehmungen von der Straße oder was?

Von klein auf bin ich in einem Haushalt aufgewachsen, in dem sich alles um Anti-Konsumismus und Anti-Globalisierung drehte, aber ich wollte nie predigen oder zu verbittert über das Ganze sein. Ich benutze Humor auf eine Art und Weise, die das Thema ironisch macht und dann kann man lachen. Dann denkst du: „Ich lache darüber“, aber es gibt wirklich ein Obdachlosenproblem in Berlin oder wo auch immer, und Amazon nimmt tatsächlich alle Jobs von der High Street weg. Es ist etwas, das dich zum Lachen bringt, aber dann…

Es ist schwarzer Humor… 

Vollkommen. Ich finde, Humor ist ein wirklich guter Weg, um die Leute zum Zuhören zu bringen.

Laut Ihren Veröffentlichungen entstand die erste Maske 2015 in New York und die letzte 2019 in Berlin. Wie hat sich Ihre Herangehensweise an dieses Projekt im Laufe der Zeit verändert?

Das ist ein fortlaufendes Projekt, bei dem ich mir nicht wirklich vorstellen kann, damit aufzuhören. Meine Herangehensweise an den Prozess hat sich nicht wirklich verändert, er ist immer sehr schnell und unmittelbar. Aber die Geschichten haben sich total verändert. Bei den New Yorker Geschichten ging es um Obdachlose und Konsum und um nackte Menschen, die auf der Straße herumlaufen – weil es in New York eine Menge Verrückte gibt, die verrückte Dinge tun (lacht). Ich habe das Gefühl, dass sich die Berliner definitiv weiterentwickelt haben, sie sind sexuell aufgeladener – was ja auch zu erwarten ist – und es gibt auch viel mehr Alkoholismus in den Berliner Filmen. Es geht nur darum, was ich sehe. Die Arbeit schreitet so schnell voran, wie ich voranschreite. Es ist eine Art Strom meines Unterbewusstseins, zusammen mit etwas, das ich gesehen habe, und zusammen mit den Fotos, die ich vor einer Woche oder vor einem Monat aufgenommen habe. Oder wenn ich mir einen Podcast anhöre oder die Nachrichten lese… Vielleicht geht es im nächsten um den tödlichen Virus, der uns umbringen wird (lacht).

Ich freue mich schon auf deine nächsten Masks…

Wer weiß, was die nächste sein wird.

Warten wir’s ab!

Solo Exhibitions:
Berlin – 2020 Jan 18th – March 20th – Luisa Catucci Gallery

Basel – 2018 – Scope Art Fair – Solo booth

London – 2017 – Solo Show at Albert’s Club during Frieze Art Fair

Falmouth – 2013 April – Solo Photographic Exhibition at Five Degrees Below

Group Exhibitions:

London – 2020 – Open Call – König Galerie London

Korea – 2020 – New Media – CICA Museum

London – 2018 – London Affordable Art Fair – Lomaka Gallery

NYC – 2018 Multiple Group shows in with – Chelsea Art Group

Berlin – 2018 – Group show – The Palace Arts pop up show

Athens – 2018 – Group show with Art Number 23

Berlin – 2016 – Potsdamer Str. 102 Gallery Group show

NYC – 2015 October – Roll Up Gate Studio Exhibition

NYC – 2015 October – Green point Gallery Pop Up

Brighton – 2014 August – Collaborative Exhibition

London – 2014 June – FreeRange at the Truman Brewery, Brick Lane

London – 2014 June – Collaborative Exhibition at the Rag Factory

Auctions:
UK – 2018 December 7th Phillips Contemporary ‘New Now’ (Sold)

UK –2017 April 6th- Phillips Contemporary ‘New Now’ (Sold)

UK – 2017 December 7th Phillips Contemporary ‘New Now’ (Sold)

Competitions:
UK – 2016 – Finalist for; The Sunday Times watercolour competitions. Pall Mall gallery exhibition September 2016.

UK – 2016 – Finalist RPS photographic competition. 159th Touring Exhibition, The Truman Brewery, The Royal Albert Hall, Belfast & Edinburgh International photography Festivals.

Selection of Publications:
London – 2019 – Average Arts Magazine (physical)

NYC – 2018 – Matador Review

London – 2018 – WhatisArt Zine (physical)

London – 2018 – Average Arts Magazine (Physical)

Berlin – 2018 – Indie Magazine

Italy – 2017 – RedMilk Interview

London – 2017 – Pylot Magazine

London – 2017 – Underground England Magazine

London – 2016 – Hunger magazine

Dubai – 2016 – Best of 2016 IEAA (international emerging artist award)

USA – 2016 – Fondle Magazine (Physical)

USA – 2016 – Minetta (Physical)

UK – 2016 – Don’t panic Zine

UK – 2016 – Masks – book limited ed.50, Hardcover